The following text by Martina Ruhsam gives a concise account of some arguments made by her in her lecture at PANik 4 – Performance as solo.

The topic that Jan Machacek and Clélia Colonna chose for this performance-series is quite unusual. „Performance als Solo“ – the format is the topic, but the relation between the topic and the presented performances of Kozek Hörlonski (Thomas Hörl & Peter Kozek), Katharina Ernst & Bartosz Sikorski and Charlotta Ruth & Mirja Brunberg is not a descriptive one, it´s not just the common denominator of all the works that we saw today but the performances they chose rather put a question-mark behind this title. The format became a topic that was actually questioned by the performances – first of all by the fact that the performances didn´t fulfil the expectations that are conventionally connected with a solo as they were all performed by more than one person.
The common definition of the solo is, as we all know, that one performer or musician is performing/playing. The term „solo“ comes from the Italian word „solo“
which means „alone“. Solos are sometimes embedded in group-pieces and in this case we mean by solo exactly the moment when one individual steps out of the group – into the centre of attention – and performs/plays kind of seperately from the group. We saw in the performances today three different couples but at the same time six different individuals, we observed six solos but at the same time we could say it was three duos or even sometimes trios, quartets? All the performances dealt with the relation of two performers and were not in the first place about the moment in which one individual steps out in order to take over all the attention. The authorship was blurred in all three performances.
I would like to make some short historical remarks on the upcoming of multiple or shared autorships. Especially in the context of visual arts it was the avantgarde-artists that tried to oppone what they called „pseudy-expressionism“. Avantgarde-artists tried to subvert the traditional romantic idea of the artist expressing his/her individual soul in his/her artwork or if not the individual soul then at least oneself. This old-fashioned, romantic conception of the artist (that was quite dominant in modern art) leads to the belief that all the things the artist refers to in his/her work are only relevant in their relation to the inner feelings of the artist´s soul or self. That´s what the avantgarde later criticized as „pseudo-expressionism“. The idea on which this romantic understanding of the artist is based is that behind each human individual lies a coherent soul or at least a secluded stable subject that expresses itself when it indulges in ideosyncratic choices. I consciously speak about choices and not about decisions in this matter because I think that the difference between making choices and taking decisions is that if you make a choice you choose between given alternatives whereas taking a decision would be if you break with the given alternatives or options in order to go for something fundamentally new. I agree with Marcus Steinweg in making this distinction between making a choice and deciding for something that exceeds a selection between given options and „cuts into the (existing) texture of facts“ as Steinweg formulates it.
So, the modern artist-notion that I described before imagines the artist as someone who is making choices that are absolutely subjective and these subjective choices are considered to be a necessary step on the path of self-realisation. This way of thinking has hermeneutic consequences: For example that the artwork in the end is perceived as an individual achievement that makes the expression of the inner self of the artist visible. And in the museum for instance we can then see the objects of glorious self-realisation. According to this way of understanding every artwork is a portrait of the great individual´s soul/self and solos were a kind of ideal territory for this kind of self-realisation in the field of the performing arts.
(What I described as expressionism so far came up in the early stages of expressionism, later the focus was not really on self-expression any more but rather on expressing something, giving a voice to a voice-less experience, on being in a state of high receptivity, like a kind of channel, in order to express first of all the horrifying aspects of reality.)
In the context of music the solo is more connected with the individual stepping out of the orchestra or the ensemble and becoming visible/hearable as an individual and often the idea of the solo was connected with deploying the virtuosity of a musician. In dance – and I´m thinking in a historical context now – the solo-idea was often coupled with the attempt to free the individual from different kinds of cultural constraints, claiming free expression as a kind of natural right and thereby revolting against very rigorous traditions like ballett for instance which are highly codified and systematized and give little space for indivdual expression.
Why did I make this historical detour? The point for me is that all these ideas about the free individual that can freely choose according to it´s inner voice or impulses, is nowadays totally absorbed and overhyped by capitalism. The neoliberal economic system can only work within a culture in which individualism is the non-plus-ultra because the market permanently addresses each of us as an individual (consumer) with the desire to distinguish him/herself from the others by making product choices: Do I wear Adidas or Puma? Shall I buy a Freitag-bag or a Nike-bag, secondhand-shoes or GEA-shoes etc.?
In order to be able to make these kinds of choices which make us believe that we are free subjects that can realise themselves, the market constantly has to supply us with a range of products we can choose from for our comsumption. And we all know that this consumption is lately not just about goods like milk, butter, clothes and furniture any more but that capitalism in the time of postfordism is marketing whatever: places, images, life-style, opinions, organs, knowledge, wellness, pictures, access, representations and so on. So, by choosing commodities and wares (in an extended sense) we permanently affirm our individualism and we maintain the belief in the idea that we are free subjects.
The fact that individualism became the credo of neoliberalism is one reason why I think that solos are then especially interesting today if they make the relationality of the artist, the interdependency of her/his work as well as the productivity of the context and the circumstances of the work visible. There is a specific quality in solos in which the artist is not just emphasizing the own autonomy and individuality but rather thematizing his/her relation to other – maybe absent – subjects, objects or ideas. I find it radical if solos let us feel a glimpse of the collaborative dimension of the work.
There were many attempts in the performance-context in the 60s and 70s of working together in or as couples. I could mention as examples Gilbert and George, Marina Abramović and Ulay, Judith Malina and Julian Beck and many many others. What is interesting for me is that – compared to the works that we saw today – the intention in the performances of the aforementioned artist-couples was to become one, the aim was most ly to merge the ideas of two people in order to come to one expression. Thereby these artists of course subverted the romantic artist-idea that I described in the beginning because if two people work so closely and intricately together, it becomes impossible to say or see which ideas came from whom and who is the author of what. So, the whole idea of authorship is questioned and moreover the performances that these couples developed often had the relation of the two artists (or even a bigger constellation of artists) as a topic.
But at the same time it is clearly visible that there was an emphasis on showing two persons that come to one expression, that the aspect of uniting was stressed. This fact is very obvious for example in the most famous statement of Gilbert and George: „Two people make one artist.“
What I saw today is in a way the opposite: That two artists perform together, are dependent from each other – while at the same time affirming the own autonomy. This is the most interesting point of today´s afternoon for me. All the performances took place in two spatially seperated areas and brougt the relation to another person to the foreground. By performing in different spaces the performances of Kozek Hörlonski (Thomas Hörl & Peter Kozek), Katharina Ernst & Bartosz Sikorski and Charlotta Ruth & Mirja Brunberg emphasized the aspect of separation but by relating to the performer in the other (half of the) space they at the same time highlighted the mutual dependence and connectedness. „Being together alone“ could be an abbreviation of this afternoon´s pieces which are radical insofar as they avoided totalitarian positions both of an extreme form of individualism („Look at the originality of my ingenuity!“) and an extreme form of collectivism (which would mean a forceful subjugation of individuals under a common identity and ideology with the promise of an imminent unification).
I think that the concept of being-with developed by the French philosopher Jean-Luc Nancy is worthwhile in regard to this discussion and a closer examination of the solo as a format. Nancy started to publish texts on a new way and meaning of community/being together in the early 90s and finally described his concept of being-with in the book „Being singularly plural“ that was released in 1996. In this book he attempted to write about „the community of those who don´t belong to any community any more.“ This phrase is a quotation of George Bataille and became the premise of Nancy´s thoughts about a new meaning of the word community. Bataille´s phrase – a kind of motto for a whole group of curious intellectuals who wanted to think about the idea of community without the historical ballast that resonated with this notion, touches upon the paradox of being together alone or being alone together that was also at stake in the performances today. Nancy´s writings are in favour of a community that is not made in regard to any communistic or communitarian goal. In fact, he wanted to talk about a community that doesn´t have any goal any more, that is not formed because of a purpose or aim that should be reached together in the future. Nancy imagined a community of totally heterogenous singularities. (He doesn´t talk about subjects any more, he talks about singularities because he wants to avoid all the ideas that are connected with the term subject – for example that the subject is a secluded and autonomous entity. There is the dominant idea in our culture that the subject is smth. like the atom of society, so that all the subjects together would together make a society. This logic of addition is totally misleading in his opinion.)
So, to make it short: He is asking how it is possible to be together without having the same identity, the same ideology or the same intention/goal because of which one comes together and he speaks in this respect not about being together any more but about being-with. He wanted that being-with has nothing to do with unifying or with being the same and also not with the idea of a utopian community in the future that should be reached. So, he is emphasizing the importance of dispersion for a community and not the aspect of coherence. Seperating and separation are the new keywords for the phenomenon of being-with for Nancy. According to him it is only through the distance that we can come closer. He is always explaining this issue with the example of touching: He says that you can only touch somebody who has at least a minimal distance to you – otherwise touching is impossible.
Every person is for Nancy always already a nodal point of the with. And this may sound banal and obvious but if it is thought radically to it´s limits, then this concept leads for example to totally different ontological conclusions. So, Nancy says that being is only possible as being-with. A person is nothing else for him than a being in permanent becoming, a being WITH others, radically open and therefor a permanent transition from space to space, from location to location, from encounter to encounter, which means, permanent communication. He calls the subject also the first person plural. And a constitutive aspect of being-with is according to Nancy „etre à part“, being apart.
So, my conclusion is that it is very important to emphasize the collaborative dimension of our work, to be conscious about the fact that what we develop is developed in collaboration – even if we work alone (because there is no inner essence that could be expressed in/with what we do). That is why I pleed for radical collaboration but within these collaborations we have to maintain a certain autonomy. It´s a highly paradoxial and challenging but also exciting endavour: Being aware about the fact that we are all very interdependent and at the same time affirming a certain autonomy from within these collaborative constellations.

Martina Ruhsam

Now the second year, the Month of Performance Art takes place again this may in Berlin. Some artists, including our friends from the Performer Stammtisch, are wrapping this label around the various and diverse performance art activities in Berlin in order to highlight and promote the art form, to create possibilities for presenting work and to bring together people interested in it.

MPA-B is a total non-profit event and receives absolutely no fundings whatsoever. So the folks were trying amongst others crowd-funding with the online platform inkubato. With success, as the project is financed with more than 2500 Euros some hours before the end of the funding campaign. Congratulations!

So Berlin is worth a visit in May – more than 50 performances in many venues. The programme will be online early april.
If you’re going to Berlin, be sure to wear some flowers in your hair!

Wagen vor Rheinpanorama mit Dom

Samstag, 02.06.2012
Exkursion der Gruppe zur Eröffnung der großen Ben Patterson Retrospektive im Nassauischen Kunstverein / Wiesbaden.

Sonntag, 03.06.2012, 12:00
Ausstellungseröffnung “offline Teil 1″, Galerie Bruch & Dallas, Ebertplatzpassage 50668 Köln

2. Block
Freitag, 12.10.2012, 19:00 – 23.00, Neues Kunstforum, Alteburger Wall 1, 50678 Köln
Performances

Samstag, 13.10.2012, 19:00 – 24:00, Neues Kunstforum, Alteburger Wall 1, 50678 Köln
Performances / open source

Sonntag, 14.10.2012, 12:00, Galerie 0, Mainzer Str. 37, 50678 Köln
Ausstellungseröffnung “Strategien und Chaos Teil 2″

Die begleitende Ausstellung zeigt zu den Arbeiten der PerformerInnen
Spuren, Skizzen, Fotografien, Filme, Dokumente, Kataloge etc.

“Von den Bergen unten, nach oben den Fluss hinab“

Rolf Hinterecker und Evamaria Schaller vom Kölner Performance-Netzwerk PAErsche entwickelten für das Jahr 2012 das internationale Kollaborations-Projekt Performance-Art AUSTRIA-COLONIA.
Es performen 10 Performance-KünstlerInnen aus Österreich, unter anderem von PAN Vienna, und 10 aus der Region Kölns, assoziiert zu PAErsche. In zwei Veranstaltungsböcken werden je 5 + 5 PerformerInnen ihre Arbeiten zeigen. Darüber hinaus werden experimentelle Formen entwickelt.
Ziel des bilateralen Projektes ist es, die junge, virulente Performance-Art-Szene der beiden Regionen enger zu vernetzen. Die Weiterentwicklung der Performance-Kunst bedingt die Begegnung der KünstlerInnen, die Unmittelbarkeit.

Teilnehmende KünstlerInnen des Block 1 sind:
Österreich: Elisa Andeßner, Sibylle Ettengruber, Jan Machacek, Noah Holtwiesche, Betty Wimmer
Köln: Marita Bullmann, Frank Homeyer, Elke Mark, Carola Willbrand, Vera Drebusch

Karl Bruckschwaiger: Chicken Mumifizierung

Der erste Veranstaltungsblock beginnt am 1. Juni in der BOUTIQUE – Raum für temporäre Kunst in der Eberplatzpassage. Eine Performance-Stadtwanderung führt von dort durch das Eigelsteintor, dem Hbf, in die Altstadt Kölns, an den Rhein und retour. Unterwegs werden Interventionen und Performances stattfinden. Improvisationen und spontane Änderungen des Ablaufs sind vom Konzept her vorgesehen. Der Ablauf selbst wird erst kurz vor Beginn der Stadtwanderung angekündigt. Unter folgenden Rufnummern kann der aktuelle Standort der PerformerInnen erfragt werden:
0172-6038 288 oder 0163-2120 827

Die begleitende Ausstellung zeigt Spuren, Skizzen, Fotografien, Filme, Kataloge etc. die eine Spannung dokumentieren, die auch nach der Energieentladung einer Performance ‘offline’ erhalten bleibt.

Samstag, 14.04.2012
11:00 – 14:00
im Top Kino
Rahlgasse 1, 1060 Wien
Eintritt frei

Herzlich willkommen! Am Morgen nach PANik 5: Performance als Augenblick gibt es für alle Interessierten die Gelegenheit, mit KünstlerInnen und PANisten in entspannter Atmosphäre ins Gespräch zu kommen!

Herzlichen Dank an das Top Kino!

Freitag, 13.04.2012
19:30
Kunstraum Niederoesterreich
Herrengasse 13
A-1014 Wien

Mit:
Hedwig Houben (NL)
Tellervo Kalleinen (FI)
Jakob Lena Knebl, Hans Scheirl, Andreas Riegler (D/A)
Wolfgang Müller (D/IS)
Gerhard Veismann (A)

Für PAN kuratiert
von kozek hoerlonski.

Meet the Artists
Frühstück + Gespräch zu PANik5
Breakfast + discussion about PANik5
Samstag, 14.04.2012
11:00 – 14:00
im Top Kino
Rahlgasse 1, 1060 Wien

Für PANik5 lenken kozek hörlonski ihr Augenmerk auf intermediale Arbeiten, die sich in inszenierten Bildern auf unterschiedliche Weise mit Phänomenen individueller Zeit- Raum- und Körperwahrnehmung beschäftigen.
Das Interesse liegt dabei an der Spannung zwischen Intimität und Zur-Schau-Stellung, Verinnerlichung und öffentlichem Auftritt.
Es werden 5 Positionen gezeigt, die Begriffe wie etwa Vergänglichkeit, momentane Verdichtung, Humor und Mystik umkreisen.

For PANik5 kozek hörlonski pay attention to intermediate works, all works are alternatively concerned with staged images of various phenomenon of individual time-, space-, and body – perception.
The interest lies in the intimacy between the display of affection, internalization and public presentation/performance.
5 artistic approaches are presented orbiting terms such as transience, temporary concentration, humour and mysticism.

Performance als Augenblick

Gerade die Vergänglichkeit des immer zu kurzen, nie zur Gänze fassbaren Augenblicks stellt ein Angebot zur Unmittelbarkeit und zum Direkten dar, die Flüchtigkeit und das Sofort-zur-Erinnerung-Werden ist aber paradoxerweise gleichzeitig ein nachhaltiges Fixieren und Verankern in der Wahrnehmung – vielleicht gerade durch die Aufforderung, die jeder jetzt stattfindenden Performance eingeschrieben ist – eben jetzt genau hinsehen zu müssen.
Wir alle sehen uns einem reichen medialen Angebot gegenüber um ein künstlerisches Vokabular zu entwickeln und damit unsere Welt zu beschreiben oder Bestehendes neu zu übersetzen. Der Aufgabe, die damit in einer schnelllebigen Zeit verbunden ist, kann in der Performance immer wieder mit Leichtigkeit begegnet werden. …
… Der Rückgriff auf sich selbst, die persönlichen Fragen, die individuellen seelischen, geistigen und körperlichen Wahrnehmungen, die sich einer Performerin eröffnen, gleichzeitig die Entschleunigung, der Weg ins Ungewisse, Neue und Unwiederholbare scheinen mir heute die wesentlichsten Anreize zu sein, sich überhaupt mit Performance auseinander zu setzen.
So gesehen wird in der rezenten Performance Art die Suche nach der eigenen künstlerischen Sprache gerade in der Hinwendung zu sich selbst und in der perspektivischen Verschiebung durch den Wechsel vom Schauenden zum Agierenden gefördert.
Die Zeit und ihre unauflösliche Bindung an den Raum gibt immer noch die Richtungen in jene Bereiche der Beobachtung vor innerhalb derer wir hier forschen und suchen. Sehe ich die Liebe zur Kunst demnach auch als Sehnsucht in einen schwebenden Zustand der Indifferenz zu gelangen, ist Performance hier eine Strategie der Zeit zu entrinnen, in den zeitlosen Raum und die raumlose Zeit einzudringen, inne zu halten und fortgetragen zu werden, auch wenn es nur für einen Augenblick ist.
(Aus: Peter Kozek „Es ist ein Augenblick, …“ in „Blossoms of a Multitude“, Transmediale Kunst, Wien, 2011)

Performance as a Moment

The very transience of the always too brief, never completely graspable moment represents an opportunity for immediacy and directness, volatility and the immediately-to-be-remembered. But it is paradoxically also a sustained fixing and anchoring in the perception–perhaps exactly because of the demand that performance makes today on its audience–to look closely now.
We are all standing before a rich offering of media with which we can develop an artistic vocabulary to discribe or reinterpret our world. Through performance the tasks connected with a fast-paced age can continually be approached with ease. …
… Reliance on oneself, on personal questions, and on the individual emotional, mental and physical perceptions that a performer faces, and at the same time a decelaration and the path toward the unknown, the new and the unrepeatable–all this appears to me as the most important stimuli with which performance should be dealing.
In this light, performance art today is charged with the task of searching for an individual artistic language, particularly in its self-orientation and in the perspective shift from watching to acting.
Time and its inextricable bond to space still prescribe the parameters of every area of observation examined here. If I therefore see the love of art also as a longing to reach a floating state of indifference, then performance serves as a strategy to escape from time, to penetrate timeless space and spaceless time, to stop and be carried away–even just for a moment.
(from Peter Kozek „It is just a moment, …“ in „Blossoms of a Multitude“, Transmedia Art, Vienna, 2011)

Mit freundlicher Unterstützung der Stadt Wien, MA7 und dem Kunstraum Niederoesterreich

print-design by Astrid Seme (

Hier sind Photos von dem Abend von den drei Performances von:
kozek hörlonski (Thomas Hörl & Peter Kozek)
Katharina Ernst & Bartosz Sikorski
Charlotta Ruth & Mirja Brunberg

und dem Diskussionsbeitrag von
Martina Ruhsam

Copyright für alle Photos bei Victor Jaschke

kozek hörlonski + Sir Meisi

laden zur Film- und Posterpräsentation:

Medicine Mountain – Learn To Love In Seven Days

im

Österreichischen Museum für Volkskunde
Laudongasse 15-19
1080 Wien

am
Donnerstag, den 26.01.2012
Ab 18 Uhr

Eintritt frei!

Das Projekt Medicine Mountain – Learn to Love in Seven Days wurde im Winter 2010 in Salzburg und im Sommer 2011 in Tirol realisiert. An jeweils sieben Orten an je sieben aufeinander folgenden Tagen in Salzburg-Land und in Tirol wurden Performances umgesetzt, die in alpinen folkloristische Traditionen ihren globalen Äquivalenten nachspüren und dabei speziell auf das Spiel der Geschlechter (Masken, Kostüme) fokussierten. Die Performances wurden filmisch aufgenommen, die Drehs waren öffentlich zugänglich, das Filmset jeweils also auch Live-Performance-Ort.

please visit our website for english translation:

http://kozek-hoerlonski.com/projects/

Hintergrundinfo zum Projekt:

In der Romantik entdeckte das weitschweifige britische Empire die Berge als Ort der Selbstfindung und als Gegenüber zur eigenen Persönlichkeit.

Das göttlich Überhöhte im Menschen findet seinen Spiegel in der alpinen Landschaft wieder. Ganz im Gegensatz zu den Selbstbeschneidungen der viktorianischen Gesellschaft steht die unbezwungene Wilde der Landschaft. So beginnt der Massentourismus in die abgelegenen Täler und Schluchten des europäischen Kontinents. Die Freizügigkeit und Exzessivität, im sportlichen und sexuellen finden in der Sommerfrische einen romantischen Höhepunkt. Die Berge sind keine Kolonie. Sie gehören aber genauso wie die Tropen zum bon ton der Romantik.

Die medialen Bilder, die von den Briten bis hin zur zeitgenössischen indischen Filmindustrie von den heroischen Berglebewesen gezeichnet werden sind heterosexuelle. Von glücklichen Bergbauernfamilien über viktorianische Sommerfrischler bis hin zu frisch verliebten indischen Pärchen. Aber: Wer sind eigentlich die Wesen von denen die Bergseele bewohnt wird? Sind die wirklich in einen heterosexuellen-bürgerlichen Baukasten einfügbar?

Das Projekt beginnt in den österreichischen Alpen – zwischen Tirol und Salzburg – hier sind Bilder zu eisigen Berghöhen und grünen Almwiesen entstanden. Warum in den Alpen? Weil hier universale Fragen nach genderisierten Bildern und den Bergen als Ort der globalen Mytheme gestellt werden. Warum sonst tragen wohl in der hinduistischen Epenwelt Halbgötter in Affengestalt Berge über Kontinente um die Welt zu retten? Oder warum träumen Bollywoodliebespaare auf den Berghöhen ihre romantischen Liedersequenzen, in Anlehnung an göttliche Liebespaare die auf den Bergspitzen des Himalaya residieren? Oder warum suchen die Menschen des Westens ihre Läuterung in den Einöden der Geröllhalden zwischen Schweiz und Tirol? Warum finden sich hier die ersten Spuren des modernen Tourismus und wie hängen diese Fragen mit einem Gender Check zusammen?

Zur letzten Frage: Medicine Mountain – Learn To Love in Seven Days hat die Bergwesen aufgesucht, die sich hier in den letzten Jahrhunderten herauskristallisiert haben: die Perchten, die Fastnachtsmasken. Die haben seit ihrem Erscheinen mit der Mehrschichtigkeit von Gender gespielt und stehen im klaren Gegensatz zur Heteroidylle der Tourismusmainstreambilder und den Bollywoodliebeskonstruktionen.

Wir haben die Perchten mit den Transgöttern der hinduistischen Sagenwelt gepaart und suchen jetzt nach dem grundlegenden der Zwischengeschlechtlichkeiten. Bärtige Jungfrauen und blaue Affen auf symbolträchtigen Bergspitzen österreichischer Identität bringen die Berge zum wanken.

www.kozek-hoerlonski.com

Die enstandenen Interviews werden in Kürze auf www.gegensprechanlage.at online gestellt.

alle Fotos: kozek hörlonski + Sir Meisi 2010/11

Donnerstag, 19. Jänner 2012
19:30 Uhr
Studio PORT
Siegfriedgasse 23/Tor 1
1210 Wien

mit Positionen von
Katharina Ernst (A) & Bartosz Sikorski (PL)
Charlotta Ruth (SE/A) & Mirja Brunberg (SE/A)
kozek hörlonski (Thomas Hörl & Peter Kozek) (A)

Diskussionsbeitrag von Martina Ruhsam (A)

organisiert von
Clélia Colonna
und
Jan Machacek

Eintritt Frei! Bar und Suppen Küche

Deutsch (english below):

Der vierte PANik-Abend interessiert sich für die Paradoxien der Solo Performance.
Das Interesse gilt den Grenzen und Rändern des Solos, Bereichen, in denen es sich mit dem Anderen verbindet.

Die eingeladenen künstlerischen Positionen reichen von Konzert-Performance (Katharina Ernst / Bartosz Sikorski)
über Choreographie (Charlotta Ruth / Mirja Brunberg) bis zur Bildenen Kunst (kozekhörlonski):
drei “verstreute Duos”, die das Format des Solos befragen und von Aussen beleuchten.
Mit Input und einem Beitrag von der Theoretikerin und Choreografin Martina Ruhsam wird anhand der vorgestellten Arbeiten
eine Diskussion mit den KünstlerInnen und dem Publikum stattfinden.

English:
The fourth PANik evening is looking for the paradoxical moments of the solo performance and is focusing on its borders and periphery, areas where it relates to the other(s).

The invited artistic positions range from concert-performance (Katharina Ernst / Bartosz Sikorski) to choreography (Charlotta Ruth / Mirja Brunberg) and fine arts (kozekhörlonski): three ‘splitted duos’ that question and reach out of the solo format. With input and contribution from the theoretician and choreographer Martina Ruhsam a discussion with the artists and the audience about solo work, process and creativity will happen, taking on what has been proposed as entrance points.

Texte und Bilder
Texts and Pictures

Katharina Ernst (Schlagzeug, Toys) & Bartosz Sikorski (Bass)
82gcy

Digitale Verdoppelung von Körperlichkeit durch die alltägliche Geste, sich per Skype zu verbinden.
Eine zweigeteilte Bühne, wie ein Splitscreen, das Bild der Musikerin auf der einen wird neben den Musiker auf der anderen Seite projeziert und vice versa, ein Videochat.
Was bedeutet es, wenn die Musikerin und der Musiker sich beide, trotz der virtuellen Präsenz des Anderen allein fühlen, sich der Präsenz des eigenen, virtuellen Doubles an der Seite des Anderen bewusst sind, und somit eigentlich vier Präsenzen zu zweit allein ein Konzert spielen?

Digital doubling of physicality using the everyday gesture of initiating a Skype connection.
A stage, divided in two like a split screen, the image of a musician on one side of the stage projected next to the musician on the other side and vice versa, a video chat.
What does it mean if both musicians feel alone, despite the virtual presence of their counterpart, if they’re conscious about their own virtual double beside their counterpart, and if there are, therefore, actually four presences playing a concert as two, alone?

www.youtube.com/watch?v=Xf4PSo2foTo

kozek hörlonski (Thomas Hörl & Peter Kozek)

crisscross
oder
Langzeitstabilität durch regelmäßige Nullpunkteinstellung

Ein Bandltanz zu zweit ist das choreographische Motiv, das kozek hörlonski für ihre Performance bei Panik4 verwenden. Ein langes Seil ist in einer Schlaufe um den zentralen Teil des Raumes gelegt und dessen jeweilige Enden sind den beiden Performern um die Taillen geschnürt. Sie sind voneinander isoliert und gleichzeitig miteinander verbunden, räumlich getrennt und dennoch im selben Raum positioniert. Es ergibt sich eine performative Figur, die der Ambivalenz zwischen dem Einzeln- und zu Zweitsein ein Bild zu geben versucht.

http://kozek-hoerlonski.com/projects/KompositumHobagoas

Charlotta Ruth & Mirja Brunberg

‘En pratstund – A short (and nice) conversation’

The dance piece was remixed fast and intuitively in 2010 as part of a collaboration between Charlotta Ruth and Caroline Byström. The material is based on a movement concept called Random Motion, inspired of the fact that we don’t always chose where we go and that we (luckily) do unexpected turns and short cuts. The material was performed in many different versions by Move Project (06-09).
For PANik 4 ‘ En pratstund – A short (and nice) conversation’ will be performed by Charlotta and the performer Mirja Brunberg. Both of them will show the solo at the same time, but at different places – as the solo has many authors and still belongs to its first one,Charlotta Ruth, somehow.

Größere Kartenansicht

1. November, 20:00 Uhr
in den Räumlichkeiten der labfactory
Praterstrasse 42/3/1
1020 Wien

english version below.

Am 1. November ist es schon wieder so weit: unsere allmonatlichen Zusammenkunft findet statt. Alle Performance-KünstlerInnen und sämtliche Interessierte an Performance in welchen Spielarten und Geschmacksrichtungen auch immer sind herzlich eingeladen!

Bei unseren Treffen werden Arbeiten präsentiert und Ideen diskutiert, es gibt reichlich Gelegenheit, miteinander zu sprechen und sich von auszutauschen. Das ganze endet eher informell.

Für den Fall, dass jemand selbst etwas präsentieren möchte – sehr gerne! Zwecks Zeitplanung bitte eine kurze Nachricht schicken.

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It is time again for our monthly PAN meeting. On 1st november performance artists and all people interested in performance in all imaginable flavours are invited to join us at labfactory to present and discuss works and ideas. There will be plenty of opportunity to get into contact.

In case you want to present your own work or ideas – yeah, please! Just send an email to express your interest.

Ein ungeschliffener Performanceabend
14. November, 19:30 Uhr
Schikaneder
Magaretenstr. 24
1040 Wien

EINE PLATTFORM FÜR TANZ, CHOREOGRAPHIE UND PERFORMANCE

Info von der Homepage:
“Raw Matters wird im Herbst weitere ungeschliffene Performanceabende im September und November im Schikaneder Kino halten. Raw Matters dient dem künstlerischen Prozess unfertiger Stücke, der Wiederaufnahme und Überarbeitung alter Stücke, oder dem Research beim Anpassen fertiger Stücke. Ein Austausch und Anpassen, eine Researchmethode im Rahmen eines wertfreien, ungeschliffenem Performanceabends zum schauen, probieren, scheitern, gelingen. passend. einfach. unpassend. wertfrei.”

Offensichtlich findet eine Aussschreibung für weitere Performance-Abende im Jänner statt. Es gelten die Richtlinien der früheren Ausschreibungen.